Los invito a ingresar a este enlace publicado hoy por el New York Times, me resultó muy interesante!,
Saludos,
Recuerden que me pueden encontrar en mi página de Facebook, como Susana Hansen Revista de las Artes,
http://www.facebook.com/Susana.Hansen, http://www.facebook.com/susana.hansen2 Y http://www.facebook.com/Susana.Hansen3
martes, 22 de noviembre de 2011
FELIZ DIA A TODOS LOS MUSICOS
EN HOMENAJE AL MAESTRO DE MAESTRO!!!!
LOS INVITOS A ESCUCHAR A EL CONCIERTO DE BRANDENBURGO NRO. 5 DE BACH!!!!
Y A LEER UNA PUBLICACION DE PRENSA SECRETARÍA DE CULTURA Y EDUCACION ROSARIO DEL 15 DE NOVIEMBRE, QUE ME PARECIO MUY OPORTUNA!!!!
“La música, como lenguaje universal y al margen del tiempo, es parte esencial e inseparable de la vida, y expresa, de la mejor forma, la relación del individuo consigo mismo y con el mundo. La música puede ser la mejor escuela para la vida, y al mismo tiempo, el medio más eficaz para huir de ella.”
Daniel Barenboim nació en Buenos Aires, el 15 de noviembre de 1942. De padres judíos de origen ruso, nacionalizado israelí y español y con la ciudadanía palestina es una de las figuras más importantes de la interpretación musical clásica de la segunda mitad del siglo XX.
Barenboim comenzó sus lecciones de piano a los 5 años con su madre, continuándolas después con su padre que quedó como su único profesor. En agosto de1950, con tan sólo 7 años, interpretó su primer concierto en Buenos Aires.
En 1952, la familia Barenboim se trasladó a Israel y dos años más tarde, sus padres le enviaron a Salzburgo para que tomara clases de dirección con Igor Markevitch. Durante ese verano conoció a Wilhelm Furtwángler, quien hizo excepcionales elogios al joven pianista, que no eran sino la reciprocidad de la admiración que Barenboim le mantiene hasta hoy, jamás imitándolo pero sí aceptando su inspiración, que se trasunta en sus versiones de las sinfonías de Beethoven y en las óperas de Wagner.
El debut de Barenboim al piano se produjo en el Mozarteum de Salzburgo, en 1952; en Paris ese mismo año, en Londres en 1956 y en Nueva York en 1957, bajo la dirección de Leopold Stokowski. En los años siguientes, se sucedieron conciertos en Europa, Estados Unidos, Sudamérica y el Lejano Oriente.
Tras su debut como director con la Orquesta Filarmónica de Londres, en 1967, fue invitado por numerosas orquestas sinfónicas europeas y americanas. El 15 de junio de ese año Barenboim se casó con la cellista británica Jacqueline du Pré quien vió trágicamente cortada su carrera al contraer esclerosis múltiple. Durante los últimos años de vida de Jacqueline, Daniel Barenboim se radicó en Paris con la pianista Elena Bashkirova, con quien se casaría en 1988, y con quien tuvo dos hijos, David y Michael.
Su debut como director de ópera se produjo con Don Giovanni, de Mozart, en el Festival de Edimburgo, en 1973. Entre 1975 y 1989 fue director musical de la Orquesta de Paris, donde dirigió numerosas obras de música contemporánea.
Desde 1991 hasta 2006, fue director de la Orquesta Sinfónica de Chicago con la cual realizó numerosas grabaciones entre la que se destaca una de las pocas grabaciones de los conciertos para bandoneón de Astor Piazzolla, con el mismo Astor interpretando el bandoneón. Además, desde 1992, es el director musical general de la Deutsche Staatsoper o Staatsoper Unter den Linden, la Ópera Estatal de Berlín conocida como Unter den Linden (Bajo los tilos).
En 1999, junto al escritor estadounidense de origen palestino Edward Said, fundó la Orquesta del Diván Este-Oeste, una iniciativa para reunir cada verano un grupo de jóvenes músicos talentosos tanto de origen israelí como de origen árabe o español. Por ello, en 2002, recibieron ambos el Premio Príncipe de Asturias de la Concordia. En 2004, le fue concedido el Premio de la Fundación Wolf de las Artes de Jesuralén.
Sin embargo, el 7 de julio de 2001, en el Festival de Israel celebrado en Jerusalén, Barenboim dirigió con la Staatskapelle de Berlín la ópera de Wagner Tristán e Isolda, oportunidad en que fue calificado de pronazi y fascista por algunos de los presentes. Barenboim iba a interpretar en un principio el primer acto de La Walkiria con tres cantantes, entre los que se encontraba Plácido Domingo. Sin embargo, las protestas de los supervivientes del holocausto y del gobierno israelí forzaron a la organización del festival a buscar un programa alternativo. Barenboim accedió a sustituir la pieza elegida por composiciones de Schumann y Stravinski, no disimulando su desacuerdo con la decisión. Así, finalizado el concierto, declaró que en el bis iba a interpretar una pieza de Wagner, invitando a aquellos de los presentes que tuvieran alguna objeción a abandonar la sala.
Además de sus actividades como pianista y director de orquesta, Barenboim ha compuesto varios tangos. En diciembre de 2006 dirigió el Concierto de Año Nuevo en Buenos Aires, cuyo repertorio fue Tango Sinfónico.
En 2008, en el Metropolitan Opera de Nueva York, dirigió Tristán e Isolda; en 2009 dirigió la Orquesta Filarmónica de Viena durante el Concierto de Año Nuevo.
Fue condecorado con la Legión de Honor del gobierno francés y es candidato al Premio Nobel de la Paz por su tarea a favor de la paz y la convivencia en Oriente Próximo.
“Anhelo que mi nueva condición sea un ejemplo de coexistencia palestino-israelí. Creo que los destinos de los pueblos israelí y palestino están inexorablemente unidos”, expresó Barenboim al recibir la ciudadanía palestina honoraria, el 12 de enero de 2008. Es el primer ciudadano del mundo con ciudadanía israelí y palestina; además, en 2002, le había sido otorgada la ciudadanía española.
Imagen extraida de http://spanishlessonsbuenosaires.wordpress.com/
UN GRAN DIA PARA TODOS
LOS INVITOS A ESCUCHAR A EL CONCIERTO DE BRANDENBURGO NRO. 5 DE BACH!!!!
Y A LEER UNA PUBLICACION DE PRENSA SECRETARÍA DE CULTURA Y EDUCACION ROSARIO DEL 15 DE NOVIEMBRE, QUE ME PARECIO MUY OPORTUNA!!!!
Daniel Barenboim, la música como puente de paz entre los hombres
de Prensa Secretaría de Cultura y Educación Rosario, el Martes, 15 de noviembre de 2011 a las 18:17
Daniel Barenboim nació en Buenos Aires, el 15 de noviembre de 1942. De padres judíos de origen ruso, nacionalizado israelí y español y con la ciudadanía palestina es una de las figuras más importantes de la interpretación musical clásica de la segunda mitad del siglo XX.
Barenboim comenzó sus lecciones de piano a los 5 años con su madre, continuándolas después con su padre que quedó como su único profesor. En agosto de1950, con tan sólo 7 años, interpretó su primer concierto en Buenos Aires.
En 1952, la familia Barenboim se trasladó a Israel y dos años más tarde, sus padres le enviaron a Salzburgo para que tomara clases de dirección con Igor Markevitch. Durante ese verano conoció a Wilhelm Furtwángler, quien hizo excepcionales elogios al joven pianista, que no eran sino la reciprocidad de la admiración que Barenboim le mantiene hasta hoy, jamás imitándolo pero sí aceptando su inspiración, que se trasunta en sus versiones de las sinfonías de Beethoven y en las óperas de Wagner.
El debut de Barenboim al piano se produjo en el Mozarteum de Salzburgo, en 1952; en Paris ese mismo año, en Londres en 1956 y en Nueva York en 1957, bajo la dirección de Leopold Stokowski. En los años siguientes, se sucedieron conciertos en Europa, Estados Unidos, Sudamérica y el Lejano Oriente.
Tras su debut como director con la Orquesta Filarmónica de Londres, en 1967, fue invitado por numerosas orquestas sinfónicas europeas y americanas. El 15 de junio de ese año Barenboim se casó con la cellista británica Jacqueline du Pré quien vió trágicamente cortada su carrera al contraer esclerosis múltiple. Durante los últimos años de vida de Jacqueline, Daniel Barenboim se radicó en Paris con la pianista Elena Bashkirova, con quien se casaría en 1988, y con quien tuvo dos hijos, David y Michael.
Su debut como director de ópera se produjo con Don Giovanni, de Mozart, en el Festival de Edimburgo, en 1973. Entre 1975 y 1989 fue director musical de la Orquesta de Paris, donde dirigió numerosas obras de música contemporánea.
Desde 1991 hasta 2006, fue director de la Orquesta Sinfónica de Chicago con la cual realizó numerosas grabaciones entre la que se destaca una de las pocas grabaciones de los conciertos para bandoneón de Astor Piazzolla, con el mismo Astor interpretando el bandoneón. Además, desde 1992, es el director musical general de la Deutsche Staatsoper o Staatsoper Unter den Linden, la Ópera Estatal de Berlín conocida como Unter den Linden (Bajo los tilos).
En 1999, junto al escritor estadounidense de origen palestino Edward Said, fundó la Orquesta del Diván Este-Oeste, una iniciativa para reunir cada verano un grupo de jóvenes músicos talentosos tanto de origen israelí como de origen árabe o español. Por ello, en 2002, recibieron ambos el Premio Príncipe de Asturias de la Concordia. En 2004, le fue concedido el Premio de la Fundación Wolf de las Artes de Jesuralén.
Sin embargo, el 7 de julio de 2001, en el Festival de Israel celebrado en Jerusalén, Barenboim dirigió con la Staatskapelle de Berlín la ópera de Wagner Tristán e Isolda, oportunidad en que fue calificado de pronazi y fascista por algunos de los presentes. Barenboim iba a interpretar en un principio el primer acto de La Walkiria con tres cantantes, entre los que se encontraba Plácido Domingo. Sin embargo, las protestas de los supervivientes del holocausto y del gobierno israelí forzaron a la organización del festival a buscar un programa alternativo. Barenboim accedió a sustituir la pieza elegida por composiciones de Schumann y Stravinski, no disimulando su desacuerdo con la decisión. Así, finalizado el concierto, declaró que en el bis iba a interpretar una pieza de Wagner, invitando a aquellos de los presentes que tuvieran alguna objeción a abandonar la sala.
Además de sus actividades como pianista y director de orquesta, Barenboim ha compuesto varios tangos. En diciembre de 2006 dirigió el Concierto de Año Nuevo en Buenos Aires, cuyo repertorio fue Tango Sinfónico.
En 2008, en el Metropolitan Opera de Nueva York, dirigió Tristán e Isolda; en 2009 dirigió la Orquesta Filarmónica de Viena durante el Concierto de Año Nuevo.
Fue condecorado con la Legión de Honor del gobierno francés y es candidato al Premio Nobel de la Paz por su tarea a favor de la paz y la convivencia en Oriente Próximo.
“Anhelo que mi nueva condición sea un ejemplo de coexistencia palestino-israelí. Creo que los destinos de los pueblos israelí y palestino están inexorablemente unidos”, expresó Barenboim al recibir la ciudadanía palestina honoraria, el 12 de enero de 2008. Es el primer ciudadano del mundo con ciudadanía israelí y palestina; además, en 2002, le había sido otorgada la ciudadanía española.
Imagen extraida de http://spanishlessonsbuenosaires.wordpress.com/
UN GRAN DIA PARA TODOS
lunes, 14 de noviembre de 2011
Daniel Rivera Entrevista
Con el correspondiente permiso del autor de la nota, y talentoso compositor MaestroDaniel Mateos Moreno, publico esta entrevista que le realizara en su oportunidad al Maestro Daniel Rivera que realmente me pareció una excelente manifestación de la mirada pedagógica y musical del Maestra Rivera y en la cual se evidencia notablemente la calidad de sus interpretaciones
ENTREVISTA A DANIEL RIVERA.
¿A qué? edad empezó a tocar?
Empecé a tocar el piano a los 5 años
Empecé a tocar el piano a los 5 años
¿En su familia había tradición musical?
Claro que si, muchos en mi familia comenzaron a esa edad. Eramos una familia numerosa. Vivíamos con mis primos que como los hermanos que no tuve. Muchos de ellos empezaron a esa edad. Hoy tengo un primo pianista que tiene también una excelente carrera profesional. Mi madre es soprano, mi padre era compositor, pianista y director; muchos parientes, ya sean paternos o maternos, tenían que ver con la música.
Claro que si, muchos en mi familia comenzaron a esa edad. Eramos una familia numerosa. Vivíamos con mis primos que como los hermanos que no tuve. Muchos de ellos empezaron a esa edad. Hoy tengo un primo pianista que tiene también una excelente carrera profesional. Mi madre es soprano, mi padre era compositor, pianista y director; muchos parientes, ya sean paternos o maternos, tenían que ver con la música.
¿Y cuando tuvo claro que lo suyo era el piano?
Bueno, fue casi desde siempre, aunque cuando yo terminé el bachillerato no pude dedicarme a la música que tanto deseaba: comencé a trabajar por motivos de necesidad, durante cuatro años en algo que nada tenia que ver (concesionaria de automóviles) -pero fue una experiencia que me aportó mucho desde el punto de vista humano y pude conocer todo tipo de profesiones y de seres humanos. De todas maneras yo siempre pensaba en mi instrumento y así fue que estudié durante unas vacaciones para participar en el concurso que me daría la beca para venir a Europa a estudiar en el año 1973, beca del premio V. Scaramuzza, otorgada por el Fondo Nacional de las Artes y el Mozarteum Argentino.
Bueno, fue casi desde siempre, aunque cuando yo terminé el bachillerato no pude dedicarme a la música que tanto deseaba: comencé a trabajar por motivos de necesidad, durante cuatro años en algo que nada tenia que ver (concesionaria de automóviles) -pero fue una experiencia que me aportó mucho desde el punto de vista humano y pude conocer todo tipo de profesiones y de seres humanos. De todas maneras yo siempre pensaba en mi instrumento y así fue que estudié durante unas vacaciones para participar en el concurso que me daría la beca para venir a Europa a estudiar en el año 1973, beca del premio V. Scaramuzza, otorgada por el Fondo Nacional de las Artes y el Mozarteum Argentino.
¿A qué pianista ha seguido más de cerca? ¿cuáles son sus ídolos?
Lógicamente mis maestros los he seguido de cerca: primero mi padre, luego a Alessandro Specchi, Maria Tipo, Sergio Lorenzi, Ludwig Hoffmann. ¿Quién no ha tenido o tiene ídolos? Adoro interpretes como Martha Argerich, Claudio Arrau, Sviatoslav Richter, Arturo Benedeti Michelangeli, Maria Tipo, Sergio Fiorentino, Maurizio Pollini, nombrando solamente algunos, el numero es bastante mayor como para recordar a todos. Por supuesto pianistas del pasado como S. Rachmaninov; haría falta tanto papel para tantos nombres...
Lógicamente mis maestros los he seguido de cerca: primero mi padre, luego a Alessandro Specchi, Maria Tipo, Sergio Lorenzi, Ludwig Hoffmann. ¿Quién no ha tenido o tiene ídolos? Adoro interpretes como Martha Argerich, Claudio Arrau, Sviatoslav Richter, Arturo Benedeti Michelangeli, Maria Tipo, Sergio Fiorentino, Maurizio Pollini, nombrando solamente algunos, el numero es bastante mayor como para recordar a todos. Por supuesto pianistas del pasado como S. Rachmaninov; haría falta tanto papel para tantos nombres...
De todos los directores con los que ha tocado, ¿cuál es el que mejor se ha acoplado a su manera de tocar?
No creo que esta sea una pregunta bien formulada y que tenga una respuesta lógica o fácil. No existe el "mejor". Cada director como cada intérprete tiene lo suyo, tiene su manera de "leer". He tocado con mucho gusto, por ejemplo, con directores dúctiles y que conocían muy bien la partitura que enfrentaban. Tengo un recuerdo de dos interpretaciones del Concierto en fa menor de Chopin donde me sentí realmente en sintonía con la dirección. No siempre los directores provienen del mismo instrumento: piano en este caso. De todas maneras un director pianista puede entender mucho más a fondo la problemática que el solista debe enfrentar.
No creo que esta sea una pregunta bien formulada y que tenga una respuesta lógica o fácil. No existe el "mejor". Cada director como cada intérprete tiene lo suyo, tiene su manera de "leer". He tocado con mucho gusto, por ejemplo, con directores dúctiles y que conocían muy bien la partitura que enfrentaban. Tengo un recuerdo de dos interpretaciones del Concierto en fa menor de Chopin donde me sentí realmente en sintonía con la dirección. No siempre los directores provienen del mismo instrumento: piano en este caso. De todas maneras un director pianista puede entender mucho más a fondo la problemática que el solista debe enfrentar.
¿Qué cualidad interpretativa valora más en un solista?
Sobretodo respeto por la música que se esté interpretando, buen sonido, lógica y coherencia interpretativa, un análisis profundo conjuntamente con el instinto y la frescura o espontaneidad. No tolero la interpretación forzada o a la moda, como podemos ver en un cierto tipo de gusto actual; crear a toda costa o, mejor dicho, "creer" el estar creando, pasando por encima del compositor. Si uno posee una personalidad así de fuerte debería componer y no interpretar!! ¡¡¡¡¡El arte es equilibrio!!!!! (la redacción de esta revista se siente plenamente identificada con esta última frase en negrita).
Sobretodo respeto por la música que se esté interpretando, buen sonido, lógica y coherencia interpretativa, un análisis profundo conjuntamente con el instinto y la frescura o espontaneidad. No tolero la interpretación forzada o a la moda, como podemos ver en un cierto tipo de gusto actual; crear a toda costa o, mejor dicho, "creer" el estar creando, pasando por encima del compositor. Si uno posee una personalidad así de fuerte debería componer y no interpretar!! ¡¡¡¡¡El arte es equilibrio!!!!! (la redacción de esta revista se siente plenamente identificada con esta última frase en negrita).
¿Considera que el interprete se "debe" al público? ¿Hay que tocar "para" el público?
Por lógica que el público nos da carga emocional que permite "a veces " esa cosa mágica que se percibe en la sala. Pero creo que la última crítica es la autocrítica, que es fundamental para crecer durante toda la vida. La vida como la interpretación nos llena de dudas. La duda nos acompañará durante toda la vida.
Por lógica que el público nos da carga emocional que permite "a veces " esa cosa mágica que se percibe en la sala. Pero creo que la última crítica es la autocrítica, que es fundamental para crecer durante toda la vida. La vida como la interpretación nos llena de dudas. La duda nos acompañará durante toda la vida.
¿Que obras o compositores le han supuesto un mayor esfuerzo de estudio?
Bueno, sin dudas, algún tipo de repertorio como la Op. 111 de Beethoven, o la Op. 106 (que he grabado), el Concierto op. 30 de Rachmaninov, algunas obras contemporáneas, no existe la música fácil.
Bueno, sin dudas, algún tipo de repertorio como la Op. 111 de Beethoven, o la Op. 106 (que he grabado), el Concierto op. 30 de Rachmaninov, algunas obras contemporáneas, no existe la música fácil.
¿Cuál es su opinión sobre la interpretación actual? ¿opina que aunque ahora hay más pianistas, la calidad interpretativa era mayor antes? ¿Quizás antes no se buscaba esa perfección técnica que ahora se busca?
No existe la perfección técnica como ningún tipo de perfección. La técnica no es absolutamente lo que siempre nos han hecho creer! .No se trata de tocar todas las notas o casi todas como las tocamos. Repito el concepto: Tal vez hoy ciertos pianistas busquen de "golpear" o "encantar" al público ya sea con gestualidades que nada tienen que ver con el verdadero gesto de la música, o con una bizarría interpretativa sin igual, o por querer ser originales por fuerza. Sin embargo, no por eso creo que no se puedan hacer comparaciones sobre interpretaciones del pasado y del presente, si lo que no son del todo lógicas. Todo ha cambiado: nosotros, nuestro oído, el gusto, los instrumentos, la acústica, las salas de concierto, etc. Tampoco se puede hablar de cantidad de pianistas, faltaría más. Lo que pasa que hoy es más abordable poder estudiar y hacerlo en cualquier parte del mundo, las posibilidades de acortar distancias son increíbles y la riqueza cultural puede llegar a estar al alcance de muchos más, no como sucedía antes.
No existe la perfección técnica como ningún tipo de perfección. La técnica no es absolutamente lo que siempre nos han hecho creer! .No se trata de tocar todas las notas o casi todas como las tocamos. Repito el concepto: Tal vez hoy ciertos pianistas busquen de "golpear" o "encantar" al público ya sea con gestualidades que nada tienen que ver con el verdadero gesto de la música, o con una bizarría interpretativa sin igual, o por querer ser originales por fuerza. Sin embargo, no por eso creo que no se puedan hacer comparaciones sobre interpretaciones del pasado y del presente, si lo que no son del todo lógicas. Todo ha cambiado: nosotros, nuestro oído, el gusto, los instrumentos, la acústica, las salas de concierto, etc. Tampoco se puede hablar de cantidad de pianistas, faltaría más. Lo que pasa que hoy es más abordable poder estudiar y hacerlo en cualquier parte del mundo, las posibilidades de acortar distancias son increíbles y la riqueza cultural puede llegar a estar al alcance de muchos más, no como sucedía antes.
¿Considera necesaria la ejecución diaria de ejercicios pianísticos? �
¿Ud opina, que llegado cierto nivel, la técnica se aprende con el repertorio?
Por supuesto que se aprende con el repertorio. Creo también que nunca se termina de aprender. El sonido se modifica y se desarrolla durante el arco de toda una vida. Yo comencé a estudiar escalas ya de grande. No es éste un consejo, pero sí quiero decir que nada tiene que ver la pirotecnia de los dedos con lo que se puede considerar técnica, que bien es otra cosa. Por ejemplo, se busca siempre tocar rápido (cosa que no es ni importante ni difícil) pero si es difícil poder tocar rápido y con potencia cuando lo que se requiere es una sonoridad plena. Si tuviera que resumir una especie de concepto técnico le diría que la mejor "técnica" es la que permite tocar con el menor esfuerzo posible y poder expresar el contenido artístico con el sonido correspondiente.
Por supuesto que se aprende con el repertorio. Creo también que nunca se termina de aprender. El sonido se modifica y se desarrolla durante el arco de toda una vida. Yo comencé a estudiar escalas ya de grande. No es éste un consejo, pero sí quiero decir que nada tiene que ver la pirotecnia de los dedos con lo que se puede considerar técnica, que bien es otra cosa. Por ejemplo, se busca siempre tocar rápido (cosa que no es ni importante ni difícil) pero si es difícil poder tocar rápido y con potencia cuando lo que se requiere es una sonoridad plena. Si tuviera que resumir una especie de concepto técnico le diría que la mejor "técnica" es la que permite tocar con el menor esfuerzo posible y poder expresar el contenido artístico con el sonido correspondiente.
¿Cuál es su opinión sobre la evolución compositiva de la música clásica actual? ¿Qué opina sobre las estéticas vanguardistas actuales?
Bueno, que decir... pareciera como si se estuvieran buscando nuevos horizontes que quizás tengan que ver con un "reencuentro" con lo tradicional. Al menos se siente un poco esto. Tendremos que esperar un poco para que la historia filtre inexorablemente lo que es bueno y lo que quedara del "900", como siempre ha sucedido en la historia de la música.
Bueno, que decir... pareciera como si se estuvieran buscando nuevos horizontes que quizás tengan que ver con un "reencuentro" con lo tradicional. Al menos se siente un poco esto. Tendremos que esperar un poco para que la historia filtre inexorablemente lo que es bueno y lo que quedara del "900", como siempre ha sucedido en la historia de la música.
¿Qué pasos sigue cuando se enfrenta por primera vez a una obra?
Trato de interpretarla ya desde la "primera vista" (que debe ser una primera vista y no más de una: de lo contrario se contamina inmediatamente) y de ahí comienza un trabajo de búsqueda y análisis, que hasta a veces se logra en cualquier momento o lugar y no precisamente en el teclado. Por supuesto que una buena interpretación requiere siempre mucho sacrificio y dedicación, y no podemos pasar por un trabajo asiduo por el cual cualquier gran interprete debe hacerlo por más talento que tenga.
Trato de interpretarla ya desde la "primera vista" (que debe ser una primera vista y no más de una: de lo contrario se contamina inmediatamente) y de ahí comienza un trabajo de búsqueda y análisis, que hasta a veces se logra en cualquier momento o lugar y no precisamente en el teclado. Por supuesto que una buena interpretación requiere siempre mucho sacrificio y dedicación, y no podemos pasar por un trabajo asiduo por el cual cualquier gran interprete debe hacerlo por más talento que tenga.
Cuando usted toma el papel de profesor ¿en qué hace más hincapié al enseñar a sus alumnos?
Sobre todas las cosas, en tratar de crear en ellos un oído atento, agudo, que les permita comprender las posibilidades del pianoforte, darse cuenta que el mejor maestro va a ser siempre ese oído. Trabajamos mucho sobre la calidad del sonido. Trato de donar todo lo que he aprendido y darles confianza en la labor que desarrollamos. Uno de los factores más importantes es mitigar la percusion del instrumento (salvo cierto tipo de repertorio), trabajar con un serio ligado, con un sofisticado uso y conocimiento de las posibilidades de los pedales, estudiar en lo posible siempre con un objetivo artístico y no abstracto -Famosos y siempre actuales los consejos de Schumann. También, ser fieles con la gramática, no sobrepasar ciertos criterios interpretativos, entender que la música es inconmensurable, una razón de vida, quizás una lectura del universo y que no nos podemos permitir dominarla o agredirla; que somos interpretes; que la modestia es el mayor don que podemos apreciar en los grandes de la historia y solo la modestia crea grandeza, pensemos en un Arrau: "Ser" y basta.
Sobre todas las cosas, en tratar de crear en ellos un oído atento, agudo, que les permita comprender las posibilidades del pianoforte, darse cuenta que el mejor maestro va a ser siempre ese oído. Trabajamos mucho sobre la calidad del sonido. Trato de donar todo lo que he aprendido y darles confianza en la labor que desarrollamos. Uno de los factores más importantes es mitigar la percusion del instrumento (salvo cierto tipo de repertorio), trabajar con un serio ligado, con un sofisticado uso y conocimiento de las posibilidades de los pedales, estudiar en lo posible siempre con un objetivo artístico y no abstracto -Famosos y siempre actuales los consejos de Schumann. También, ser fieles con la gramática, no sobrepasar ciertos criterios interpretativos, entender que la música es inconmensurable, una razón de vida, quizás una lectura del universo y que no nos podemos permitir dominarla o agredirla; que somos interpretes; que la modestia es el mayor don que podemos apreciar en los grandes de la historia y solo la modestia crea grandeza, pensemos en un Arrau: "Ser" y basta.
¿Cuál o cuales cree que son las mejores escuelas para formar a futuros pianistas en el mundo?
Sobre las escuelas se ha dicho y redicho. La mejor escuela es la suma de las escuelas o suma de las técnicas y no la cristalización de ciertos conceptos anticuados de "escuela". Antes se hablaba de escuela rusa, italiana, americana, etc. Hoy son conceptos en desuso. Hoy es posible escuchar, leer y ver cosas que en el pasado no todos podían. Pensemos sólo en la posibilidad de comunicación y de diálogo que ha permitido la informática: poder cambiar opiniones en el mundo entero, con mailing-list dedicadas a la música y hasta con especializaciones de un determinado sector o compositor.
Sobre las escuelas se ha dicho y redicho. La mejor escuela es la suma de las escuelas o suma de las técnicas y no la cristalización de ciertos conceptos anticuados de "escuela". Antes se hablaba de escuela rusa, italiana, americana, etc. Hoy son conceptos en desuso. Hoy es posible escuchar, leer y ver cosas que en el pasado no todos podían. Pensemos sólo en la posibilidad de comunicación y de diálogo que ha permitido la informática: poder cambiar opiniones en el mundo entero, con mailing-list dedicadas a la música y hasta con especializaciones de un determinado sector o compositor.
¿Qué recomendaría a los jovenes que desean abrirse paso en el mundo del piano? ¿Son los concursos la salida más razonable para los jóvenes?
Creo que no hay reglas, o mejor dicho, no hay recetas para esto ¿Qué decir de los concursos? He participado en 14 concursos internacionales: Bussoni, Ciani, Reine Elisabeth, Cata Monti, Pozzoli, Liszt-Bartok, etc. casi siempre con buenos resultados. He obtenido tres primeros premios absolutos, dos segundos y distintos galardones. Los concursos son concursos y con esto digo todo. Hoy el concurso no tiene la importancia que podría haber tenido tiempo atrás, pero sí es una posibilidad de enfrentar publico y jurado. Es siempre una posibilidad de interpretar y hacernos conocer la música, pero nada tiene que ver con la carrera, casi nunca van paralelas. Pensemos en tantos pianistas desconocidos o quizás poco apreciados, comparados con grandísimos pianistas que no figuran en la lista de los premiados. Le podría hablar del "caso" Fiorentino, pianista fallecido hace muy poco tiempo: un "grande" que no tuvo durante su vida el reconocimiento que se merecía. Le podría hablar de mi padre, caso parecido, o le podría hablar de las dificultades que también yo atravieso para entrar en el ambiente del concertismo. Podríamos seguir con el discurso volviendo a la historia de un padre como Bach o de tantos grandes de la música que nunca gozaron del reconocimiento de su arte en vida.
Creo que no hay reglas, o mejor dicho, no hay recetas para esto ¿Qué decir de los concursos? He participado en 14 concursos internacionales: Bussoni, Ciani, Reine Elisabeth, Cata Monti, Pozzoli, Liszt-Bartok, etc. casi siempre con buenos resultados. He obtenido tres primeros premios absolutos, dos segundos y distintos galardones. Los concursos son concursos y con esto digo todo. Hoy el concurso no tiene la importancia que podría haber tenido tiempo atrás, pero sí es una posibilidad de enfrentar publico y jurado. Es siempre una posibilidad de interpretar y hacernos conocer la música, pero nada tiene que ver con la carrera, casi nunca van paralelas. Pensemos en tantos pianistas desconocidos o quizás poco apreciados, comparados con grandísimos pianistas que no figuran en la lista de los premiados. Le podría hablar del "caso" Fiorentino, pianista fallecido hace muy poco tiempo: un "grande" que no tuvo durante su vida el reconocimiento que se merecía. Le podría hablar de mi padre, caso parecido, o le podría hablar de las dificultades que también yo atravieso para entrar en el ambiente del concertismo. Podríamos seguir con el discurso volviendo a la historia de un padre como Bach o de tantos grandes de la música que nunca gozaron del reconocimiento de su arte en vida.
sábado, 12 de noviembre de 2011
Benito Quinquela Martín
 (Buenos Aires, 1890 - 1977) Pintor y muralista argentino. Fue uno de los “Pintores de La Boca” (uno de los barrios de su ciudad natal). Con un estilo naturalista, la temática de su obra giró, sobre todo, en torno a los barcos y las labores portuarias en general. Se le consideró el pintor del riachuelo por su tratamiento de los temas portuarios. Abandonado a poco de nacer, permaneció en un orfanato hasta que, a los seis años, el matrimonio formado por Manuel Chinchella y Justina Molina decidió adoptarlo. Empezó su formación en una escuela de enseñanza en la que únicamente permaneció dos cursos ya que, con tan sólo nueve años, tuvo que empezar a trabajar en la carbonería paterna. Posteriormente, y hasta que cumplió los quince, fue obrero portuario de La Boca; su trabajo consistía en trepar a los barcos para llenar las bolsas vacías de carbón y cargarlas en los carros. Esta actividad la completaba con la participación activa en la política de La Boca. Pegaba carteles y repartía pasquines a favor del doctor Alfredo Palacios. En 1907 ingresó en una modesta academia de dibujo de su barrio para estudiar pintura con Alfredo Lazzari. Desde entonces se dedicó a la pintura. Conoció a Juan de Dios Filiberto, un estudiante de música con quien mantuvo una estrecha amistad. También conoció al, por entonces, director de la Academia de Bellas Artes, Pío Collivadino, que le ayudó a iniciarse en el dibujo de retratos y a incorporar el color a sus obras.  Puente de La Boca (1946), de Benito Quinquela En 1918 decidió cambiar su nombre (Benito Juan Martín) por el de Benito Quinquela Martín, eliminando el nombre de Juan y adaptando el apellido de su padre adoptivo a la pronunciación italiana. Con su nuevo nombre, el 4 de noviembre, exhibió sus pinturas en la Primera Exposición Individual de la Galería Witcomb. La muestra fue un éxito y los críticos hablaron de la aparición de un original pintor, con técnica, estilo y mensaje propios. A partir de este momento empezaron sus recorridos por el mundo. En 1921 realizó su primera exposición internacional en Río de Janeiro. Su primer viaje a Europa lo realizó dos años más tarde, concretamente a Madrid. En 1925 llegó a París, dos años más tarde a Nueva York y en 1929 a Italia, donde Mussolini lo nombró su pintor predilecto “porque sabe retratar el trabajo”. Todos estos viajes lo separaban de sus padres; de ahí que rechazara una invitación a Japón para quedarse junto a ellos en el barrio argentino de La Boca. Muy querido en el barrio, actuó como un protector de las artes y fundó el Café Tortoni para que los artistas pudieran difundir sus obras. En 1933 compró varios terrenos que donó al Estado para que construyera instituciones dedicadas a la expansión del arte y obras sociales. En uno de estos terrenos construyeron la Escuela Museo Pedro de Mendoza, hoy Museo de Bellas Artes de La Boca, que una vez construida fue decorada por él. Entre sus mejores obras destacan Tormenta en el Astillero (Museo de Luxemburgo), Puente de La Boca (Palacio Saint James, Londres) y Crepúsculo en el astillero (Museo de Bellas Artes de La Boca) fuentes: www.biografiasyvidas.com/biografia/q/quinquela.htm ********************************************************************** Les recomiendo leer el enlace adjunto, es una publicación excelente del Museo de Bellas Artes de la Boca "Benito Quinquela Martín" |  |
sábado, 15 de octubre de 2011
viernes, 2 de septiembre de 2011
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